Arne Deforce

Où êtes-vous né ? Dans la ville côtière d’Ostende, au bord de la mer du Nord belge.

Où habitez-vous ? À Jabbeke, dans une belle maison du XIXe siècle.

Pourquoi avez-vous commencé à jouer de la musique ? Parce que j’ai ressenti un besoin irrésistible de le faire, de donner un sens et un but à ma vie grâce à la beauté et au pouvoir transcendant de la musique. Les compositeurs qui m’ont incité à devenir musicien sont Jean-Sébastien Bach, Béla Bartók et Karlheinz Stockhausen.

Quel est votre instrument préféré ? Le violoncelle. En tant qu’auditeur, je me tourne souvent vers le piano. Dès le début, j’ai été séduit par l’étendue de la tessiture du violoncelle et par l’ampleur des possibilités sonores expressives qu’il offre. L’aventure de l’exploration et de l’émancipation de toutes les autres voix « cachées » du violoncelle, des harmoniques les plus pures ou des sons pleins et chauds, en passant par les timbres cassants ou vitreux, jusqu’au « grain » abrasif et raclant. Dès le départ, il était évident que je voulais devenir violoncelliste de musique expérimentale et contemporaine.

Quelle musique écoutiez-vous lorsque vous étiez enfant ? J’ai été élevé dans la musique classique (ma mère était professeur de piano) et un peu de jazz. À l’époque, j’écoutais toutes les grandes œuvres, de Bach à Ligeti.

Quel a été votre premier disque ? Béla Bartók, les quatuors à cordes, puis les Variations Goldberg de Bach avec Glenn Gould et un disque Wergo d’avant-garde avec Atmosphères et Nouvelles-Aventures de Ligeti. J’avais environ 16 ans à l’époque.

Dans quelle période musicale aimeriez-vous vivre ?   Sans aucun doute aujourd’hui. Mais j’aurais aussi aimé connaître la « joyeuse dissonance » et les avant-gardes des années 1960 libératrices, les spectacles créatifs et les festivals aventureux. Aujourd’hui, cependant, l’idéologie du modernisme et du progrès de cette époque est en train de se métamorphoser en de nouveaux mouvements artistiques qui, je l’espère, promeuvent les concepts d’écologie et le lien fondamental entre les formes de vie humaines et non-humaines, la nature et la société. Je pense, par exemple, aux nouveaux mondes rendus possibles par les technologies numériques, à la façon dont elles nous rapprochent du monde fascinant de la bioacoustique et de l’éco-acoustique, révélant un tout nouveau domaine de mondes sonores dont nous n’avions aucune idée jusqu’à récemment. Dans ce domaine, il existe une richesse sans précédent de nouvelles possibilités musicales à développer et à découvrir, en utilisant des instruments et de l’électronique de pointe en direct. Il s’agit d’une évolution passionnante que je ne voudrais pas manquer et à laquelle j’aimerais participer et faire de la musique.

Où préférez-vous écouter de la musique ? Dans mon studio, sur mon système de sonorisation ou avec un bon casque, et en direct, bien sûr, dans les grandes salles de concert ou les espaces bizarres à l’acoustique fabuleuse.

Où peut-on vous trouver lorsque vous ne faites pas de musique ? À la maison, au travail ou en lisant un livre, en flânant dans la ville ou dans une librairie, dans un musée d’art contemporain ou dans un centre d’exposition.

Où avez-vous étudié ?   Au Conservatoire royal de Bruxelles et de Gand, puis à l’Institut Orpheus de Gand et de Leyde, où j’ai obtenu un doctorat en arts.

Quels sont les prix que vous avez reçus ?   Peu qui compte pour le type de musique que je joue.

Quel est votre compositeur préféré ? Iannis Xenakis et Claude Debussy, pour n’en citer que deux. Les compositeurs et les musiciens pour lesquels j’ai une nette préférence sont ceux qui explorent de nouveaux horizons et ouvrent nos oreilles et nos esprits à l’infiniment « Autre », à l’inattendu de la vie et des choses, créant un sens et un art de l’émerveillement.

Quel compositeur aimeriez-vous que le public redécouvre ? S’il y a un chef-d’œuvre que j’aimerais faire découvrir à un plus large public, c’est bien les « Pléïades » pour six percussionnistes de Iannis Xenakis, composées en 1978. Il s’agit d’une œuvre exceptionnelle à tous points de vue, qu’il faut absolument écouter.

Quel est votre premier enregistrement ? Un enregistrement que j’ai réalisé avec le compositeur britannique Jonathan Harvey, comprenant ses œuvres pour violoncelle et deux de mes improvisations qui l’ont inspiré pour la composition de la partie pour violoncelle de Summerclouds Awakening.

Quel est votre enregistrement Passacaille préféré ? Limite les rêves au-delà de Hèctor Parra.

Avec qui rêvez-vous d’enregistrer ? Patricia Kopatchinskaya pour son approche libératrice, sauvage et extatique de la musique moderne et son extraordinaire imagination musicale, comme dans son fantastique enregistrement du Pierrot Lunaire de Schoenberg.

Quelle œuvre n’avez-vous jamais enregistré, mais aimeriez-vous enregistrer ? L’utopique « Time and Motion Study II » de Brian Ferneyhough, qui pourrait faire partie d’une ambitieuse compilation en 4 CD contenant une étude historique des œuvres pour violoncelle et électronique en direct. Mais le plus important serait l’enregistrement d’une série de nouvelles œuvres commandées à grande échelle sur lesquelles je travaille actuellement avec différents compositeurs.

Que faites-vous avant de donner un concert ? J’essaie de faire le vide dans mon esprit et de préparer mon corps et mon être tout entier à jouer avec le plus de liberté possible.

Que faites-vous après un concert ? Rien. Je reprends mon souffle, je bois une bière et je discute avec des amis, s’ils le souhaitent, de la musique qu’ils viennent d’entendre. 

Que feriez-vous si vous n’étiez pas musicien ? Je serais artiste ou architecte-designer.

Quelque chose d’important à ajouter ?

Oui, une courte déclaration si vous le voulez bien.

À la lumière du nouveau régime climatique et des nombreuses crises auxquelles nous sommes confrontés aujourd’hui, je pense que nous n’avons pas besoin de nostalgie ou de mélancolie dans la musique, mais de l’extase joyeuse de nouvelles visions qui nous propulsent vers de nouvelles formes de conscience. Créer, par le biais de la musique, un nouveau sentiment d’émerveillement à l’égard des relations complexes et parfois imprévisibles de l’homme et de son lien intrinsèque avec la nature et le cosmos. D’où mon admiration pour Iannis Xenakis et Claude Debussy pour leur approche visionnaire et profondément imaginative de la musique non anthropocentrique. En les prenant comme exemple, je dirais que nous devrions être ouverts à l’exploration d’esthétiques musicales nouvelles et différentes qui expriment l’interconnexion fondamentale des formes de vie humaines et non humaines, y compris l’électronique. La recherche d’une nouvelle musique du futur qui déclenche notre imagination pour les fabuleux paysages sonores de la nature, dont nous faisons partie, et le spectre complet et la nature du son dans une cosmologie globale, de la rotation des cellules aux galaxies tourbillonnantes.